父子 (香港版) DVD Region All

譚家明 電影就是他的愛人

《父子》好看與否是很主觀的，但更重要的是，它代表了電影的基本原則的重要﹕Back To Basic的精神尤其是港產片正陷入了要合拍、還是保留香港特色的迷思之時，實在不得不提醒大家這個永恆的真理。十七年沒有拍片的譚家明導演，強調自己不是東山再起。不過看完《父子》，還是覺得電影界是很需要這樣導演，為困惑的朋友指點一下迷津...

當然，少少就可以了，即使他是電影教授，也無須要在此說教吧。

你有十多年沒有拍電影，什麼原因令你再回來拍片?

隔了十七年再出來拍電影，不代表我又再「出山」，我只是抱打游擊的心態，因為今次是一個難得的機會，所以我只是盡力而為而已。我之所以說難得是因為《父子》的劇本在十年前已經有的了，我在馬來西亞那邊已經有二十個劇本，其實是隨時可以拍的，但必須要有投資者認同才能成事，今次可能是投資者覺得時機成熟吧，而在二十個劇本中，我最後選了這個劇本，原因是這是講家庭倫理的故事，同我們生活最接近，比較容易產生共嗚，我亦想表達我對人的心路歷程，那種慢慢墮落到變成廢人的Progression，最差的情況究竟可以去到怎樣。

據聞男主角的選角易手多次，最後如何會落到郭富城身上?

輾轉十年，其實《父子》這個劇本都曾經有落過幾個演員的手上，最早是劉德華，他自己對我講很喜歡這劇本，當初我有Warn過他，這是一個廢人的角色，並非他慣常飾演的英雄人物，他仍表示有與趣，不過可能大家沒有機緣所以不了了之，後來曾志偉、梁家輝都有興趣，梁家輝是因為碰巧要到南極拍特輯而無法配合檔期。我繼而揀郭富城，我以前從來沒有看他主演的電影，唯一的就是《三岔口》，我對他在該片的表現其實是幾意外的，完全唔似一位偶像，可以放下明星歌星的包袱去用心演戲，事實上他在片場上的表現亦好稱職的，他為了演得入型入格，會主動整黑自己的臉、留更多鬚，這種誠意令大家一開始合作已經好愉快。

吳景滔在片中表現相當不俗，為何會選擇了他?

囝囝的角色最初是老闆提議的，我以前在《烈火青春》及《最後勝利》曾經和司馬燕合作過，老闆說她的兒子吳景滔好合適，我見了他之後也覺得這個男孩具有需要的條件。我並非要一個活潑可愛的小演員，因為《父子》是沉重的題材，小演員必須要有一定讓觀眾感到Involving的特質，我為他拍的第一個shot就是片初他坐在爸爸單車，然後突然由夢中嚇醒的場口，就是那一場戲已經證明他是適合的人選了。《父子》在羅馬參展時，意大利那邊的影評人對三個主角在片初的表現有很好的反應，我自己都好開心。

片初郭富城與楊采妮的對手戲，看來比較少一Take落，而大部份都是以較緊密的剪接構成的，是你刻意的嗎?

剪接是電影的重要一環，剪接也是我自己喜歡的專長，片初郭富城與楊采妮爭執的場面，由屋內囝囝食做餐，然後懷疑母親要離家出走，繼而到郭富城回家和楊采妮爭執及兩人糾纏，大都不是靠Long Take去讓演員將劇情推高的。現在的電影很流行用Long Take讓演員表現，近乎是一種Fashion似的，這種拍攝手法沒有什麼不可，不過就需要按情況而定，我就比較喜歡靠剪接去掌握整個節奏，我亦無必要跟潮流走，最重要還是要考慮究竟對整部電影的Present有沒有幫助。

之前訪問過演員，他們都說你的要求極高，由演技、攝影、到美術都非常嚴格，好像有點不慣似的。

我自己有電影美術的背景，當然對美術會有要求，演員說我要求過份嚴謹，例如背景牆身的顏色不理想，要求再重新上色，但就沒有外間傳聞的上了超過三十次以上，這是根本沒有可能的。兩位主角覺得我嚴謹，可能是因為將我和其他導演比較吧，這次和我合作的環境、工作人員不同，而我自己也確是一個拍電影必須按照自己方法的人，但未至於在對白上要演員每粒字都要跟足，我是有讓他們發揮的，因為每個演員都有他們的特質，有他們的creativeness，所以過程中一定有意見交流，他們有好的意見我會接受，而我有疑問時也會堅持我的觀點，所以可能這樣令他們有壓力吧。

片中的床上戲似乎比想像中多，你認為床上戲來表達角色的內心掙扎，效果會更強烈嗎?

有時傳媒對片中床上戲的部份總是誇大地報導，我認為是曲解及有誤導性的，Charlie（楊采妮）的床戲是代表了她對是否應該離開丈夫而猶豫的一種表現，大家留意鏡頭下我是如何拍攝她手的動作，就會明白。至於林熙蕾與郭富城那場床戲，是兩個無依的人互相視大家為浮木的一種表現，而且主要是女方做主動的，男的就其實是與他的Memory做愛，他望著鏡時想起的就是Charlie，是一種內心的Invert Reflection，所以林熙蕾的主動最後也是徒勞無功的，我在這部份想表達的就是這個感情困局如何變成一個情慾迷宮，這才是床戲的重點，也是我直覺認為應該要拍出來的。

反正你認為自己的思路走到什麼方向，就應該是正確的方向了。

我是相信我自己的直覺的，當直覺認為戲路應該這樣去，我就會朝著那個方向去而不會想太多，拍攝完成後我也反覆看了百多二百次，現在片長一百六十分鐘，這是我認為一個減無可減的版本了，有朋友說為何郭富城鬧廚房侍仔的戲重覆了幾次而不去刪減，我回應的理由是，郭富城的角色是一個廢人，但他唯一能發威的地點就是餐廳廚房，所以要凸顯他只在廚房才有Power的話，這幾場戲便有必要保留。

比起最原先的劇本，分別有多大?

原先的劇本共有一百三十五場戲，拍出來可能有六小時長。後來刪成九十場，現在最後出來的版本是七十七場。比原先的已經減了接近一半，所以160分鐘是盡的了。我很喜歡片初Charlie與囝囝吃早餐，之後全家人在晚上吃宵夜，然後就是Charlie走了，剩下父子兩人一起吃晚飯，三個場口的鏡頭處理都是很接近的，例如囝囝每次如常由閣樓下來，很日常生活，郭富城又常很晚回家，在同一個場口中人物的變化令人可以感受到當中的Variation，所以真的沒有一場能刪的。

你有一段長時間沒有拍電影，是一心想教書嗎? 還是覺得港產片的環境與你理想有距離?

我1989年沒有拍電影後，並非一開始就轉教書的，期間我一直有參與MTV、廣告及剪片的工作，我其實不是沒有機會拍片，而是我本身也不太主動一定要拍電影，數量對我來說並非最重要，最重要是我可否Team Up我想要的人員，讓我可以全盤控制整個拍攝過程。我很喜歡法國導演羅拔．布烈遜(Robert Bresson)，他一生人也不是拍了很多電影，但他每一部電影都是在整個電影工業有影響力及存在的意義的。既然現在市場上這麼多電影，去到了多一部唔多、少一部唔少的地步，我要拍的話也總該拍一部有存在價值的吧。其實回想以前的作品，沒有一套我是滿意的，只能說是我學電影期間的實習功課，今次《父子》的拍攝才算是我自己最滿意的作品，當然我不可以說是百分百滿意，但我想大概都有九成至九成半了。

你已在大學教電影多年了，你對新一代的學生有什麼看法?

教書的工作同樣都是十分有滿足感的，與拍電影不同，我可以透過接觸學生了解到年青人的世界觀，有時亦會很驚訝他們的才華及潛質可以相當驚人。我有機會將他們培養出來，並介紹給其他電影人，也是對電影工業的一種Contribution，所以是很享受的。現時香港最大的問題始終是整個社會氣氛，對年青的一代有很多負面影響。香港的節奏太快，講求效率，最後也往往演變成十分急功近利，我每次聽到現在很流行的什麼「自我增值」口號，其實很反感的，就仿如將人比喻成物件一樣，好多時大家都忽略了人的精神價值。現時香港的年青一代面對的就是一個慣於隨波逐流的環境，不想「執輸」，於是個個人都要快，怕自己會比人遺忘，這其實是一種病態。

所以十七年不拍片，也就是因為這種價值觀?

我想是我們應該要對一些沒有益的社會現象要有一些反省，甚至抗衡吧。我是一個自我批判性很強的人，我能做到什麼不能做到什麼，我自己是很清楚的，拍《父子》我肯定是我能力能夠駕馭的，我清楚故事應該怎樣走、劇本的重心在哪裡，能享受整個拍攝過程之餘，我都相信我可以透過這部片分享到我對倫理關係的睇法。但十多年來有其他人找你拍戲，往往不是我能駕馭的題材。我愛電影，就像愛一個人，你愛一個人你就不會想污染她、醜化她，十多年的時間大可以拍十多二十部片，但電影界已經有太多垃圾了，如我也隨便亂拍的話，未免也相當無謂吧。所以高達(Jean-Luc Godard)有一句說話講得很好的，他說現在拍電影已去到有沒有攝影機都不重要似的。現在有太多影像垃圾充斥社會，不要講MTV，其實DV的興起令大家都可以很容易拍片，但由於太容易的關係於是往往淪為濫拍，有時甚至去到了無意識的地步，我時時刻刻都提醒自己的學生，roll機、按錄影按鈕前，你要想清楚自己要拍什麼，想利用鏡頭與觀眾及現實建立一種什麼樣的關係。

所以你的自我批判性令你拍攝時要一絲不苟了?

我講求的是準確性，也就是羅拔．布烈遜所講的如何去mastering position，我在《父子》中我自己是充分地洞悉了整個故事的架構，影片即使未拍出來，其實在我腦袋裡早已經拍好了，我完全知道我要找什麼景，鏡頭怎樣走、怎樣剪接、用什麼音樂等等，這些感覺很大部份也是靠我自己的直覺的，所以在我最享受的前期工作時，我睇景的時候用筆紀寫下一些重點就可以了，不需要影相記錄。到拍攝的時候，我亦不需要靠Storyboard就知道怎樣拍怎樣Flow。例如最後一場戲，由徐天佑的面部、到他望過河岸對面、然後是風和樹、接著是單車、再回到他面部憶起往事的表情，幾個鏡頭我是很直覺地認為是這樣Flow，剪好了一將鋼琴的背景音樂加入畫面，就完全Fit入了。

不敢想像你不靠Storyboard都可以準確地表達到你想要的東西。

我想是因為我在腦中的Vision已經很清楚，而事前我的準備功夫亦做足，老實說我拍的時候沒有即興的成份，全都是經過深思熟慮，我很佩服很多導演，可以在拍的時候才慢慢試，一段情節試用幾個不同鏡頭擺位拍攝，然後再慢慢揀，揀完才想怎樣剪，我自己會覺得這樣有點浪費時間和菲林。當然我同意每個導演、創作人會有他自己一套行事方式，我幫其他導演的電影剪接，即使覺得導演的要求與我的理解有偏差，最後也得要尊重導演的決定。但在我自己的電影，我的做法則是令願前期功夫做足，確保每個結果都是我想要的才是最重要。加上拍攝時間有限，演員會有檔期問題，我亦要向大學請一個學期假，所以也得要有一定的效率。

於是這也是你最後在《父子》中除導演外，身兼美指、剪接的原因嗎?

其實我以往拍片都是自己剪的，這次《父子》原先找了一位美指幫忙，可是該位朋友對電影中的美術比較外行，最後我還是覺得自己「重操故業」會比較好。至於剪接，正如我剛才講，在我腦中其實早已經剪好了，我沒有必要再另找剪接師幫我去試，而且我也無須要有Rough Cut，我亦不相信Rough Cut的，我自己剪就可以直接出Final Cut了，場口在什麼位置完全清楚，極其量就是要比較多一格菲林還是少一格菲林的分別而已，所以我用半個月就將片剪好了。

恭喜你在東京電影節獲獎，你自己對有獎項與否大概沒所謂了吧。

我會希望編劇、各演員在獎項上有一些回報，我自己則沒有什麼所謂，始終什麼獎項都好，其實只不過是一班評審人員對電影的一種評價而已，電影作品有高低、評審也有高低，獲獎當然開心但不代表你的電影一定好，沒有獎也不代表你的電影差，既然不同的人對電影的理解也會有分別，到頭來我認為得與失是自己才最清楚，影評人讚我又好批評我也好，如果是Point Out到我事前察覺不到的東西而我又覺得有見地的，我會很感激，相反的話對我就不會有任何影響了。

好像你拍《父子》其實沒什麼壓力似的了。

拍的過程十分愉快，我之前常以為自己年紀大可能會Handle不來，但最後我卻狀態一直良好。反而身邊的攝影師、攝影助手及燈光等，一個一個都拍到病了。當然我不是沒有壓力，我最大的壓力最後就是片長問題，160分鐘的版本會有得上畫，但電影公司還是要我剪了個120分鐘的版本，短版本的故事絕對仍是完整的，但你問我，我當然建議大家在上畫時還是去看長版本吧。

文/李若崇

資料來源︰電影雙周刊 (香港)

譚家明Profile
譚家明，1948年3月25日出生於香港，畢業於華仁書院，中學時期開始對電影產生興趣，曾於「中國學生周報」、「中文星報」及「海報」等撰寫影評。1967年加入了無線電視，1975轉任為編導，參與的作品包括「奇趣錄」、「群星譜」、「CID」、「北斗星」及「七女性」等。後被無線派往美國三藩市進修電影製作。1977年離開無線，1979年為嘉禾拍攝處女作《名劍》，開始了導演生涯，並成為香港電影新浪潮的成員之一。1989年，他拍畢《殺手、蝴蝶、夢》後便退居其他幕後崗位。過去十多年，主要本港及馬來西亞兩地專注電影教育，間中亦有擔任剪接工作，現時在香港城市大學創意媒體學院任教。《父子》是他十七年來首部導演的新作。

Filmography
1979 《名劍》
1981 《愛殺》
1982 《烈火青春》
1984 《雪兒》
1987 《最後勝利》
1988 《雪在燒》
1989 《殺手、蝴蝶、夢》
1990 《小心間碟》(攝影)
1991 《阿飛正傳》(剪接)
1994 《東邪西毒》(剪接)
2005 《黑社會》(剪接)
2006 《父子》